Lezione 2: Stile VIntage

Lezione 2: Lo Stile Vintage

L'inchiostrazione vintage è una tecnica che evoca il fascino delle epoche passate, caratterizzata da linee dettagliate, texture evocative e un uso sapiente dei chiaroscuri.

Questo stile, nato tra il XIX e l'inizio del XX secolo, si collega profondamente ai movimenti artistici come l'Art Nouveau e l'Età Vittoriana, epoche in cui l'illustrazione rappresentava un mezzo fondamentale per veicolare storie, idee e atmosfere.

Perché Scegliere uno Stile Complesso nella Seconda Lezione

Affrontare uno stile complesso come quello dell’inchiostrazione vintage già nella seconda lezione può sembrare audace, ma questa scelta è progettata per stimolare una crescita artistica consapevole. Il mio obiettivo è combinare sfida e semplicità in un mix che incoraggi il miglioramento senza sopraffare.

Alzare l’asticella sin dall’inizio aiuta a uscire dalla zona di comfort, spingendo a confrontarsi con dettagli articolati, sfumature profonde e tecniche che richiedono precisione. Questi elementi, se affrontati in modo progressivo, non solo migliorano la padronanza tecnica ma insegnano a osservare e progettare con maggiore consapevolezza.

Bilanciare momenti complessi con esercizi più semplici e gratificanti evita che il processo diventi opprimente. Lo stile vintage, con i suoi tratti distintivi come i tratteggi precisi, le decorazioni elaborate e i simboli evocativi, offre una sfida stimolante ma anche appagante, perché ogni dettaglio racconta una storia.

Questa lezione non si limita all’aspetto tecnico: vuole sviluppare un approccio maturo, in cui complessità e intuizione convivono. Decodificando e scomponendo lo stile vintage in passaggi graduali, impareremo a costruire immagini ricche e significative, mentre la combinazione di esercizi impegnativi e momenti più accessibili favorisce un apprendimento armonioso.

La complessità non è un ostacolo, ma una risorsa per spingere oltre i propri limiti, trasformando ogni sfida in un’opportunità per crescere. Questo equilibrio tra difficile e facile rende l’arte non solo un atto creativo, ma anche un viaggio di scoperta e miglioramento continuo.

In questo articolo vedrete esempi di maestri in questo stile. Non spaventatevi e non lasciatevi intimorire, please. Non è necessario raggiungere questi livelli, ma è fondamentale osservarli per comprendere la direzione in cui stiamo andando. Prendete ispirazione, studiate i dettagli, analizzate il loro modus operandi. Esaminate la composizione dell’immagine e il modo in cui è stata inchiostrata. Con il tempo, se persevererete su questa strada, anche il disegno più complesso non avrà più segreti per voi!

Tecniche Fondamentali dello Stile Vintage

1. Linee incise e tratteggio: Il tratteggio incrociato e lineare è una firma dello stile vintage. Utilizzando strumenti come il pennino d'acciaio o la penna a inchiostro, gli artisti creano profondità e volume attraverso una meticolosa stratificazione di linee. Questa tecnica richiede precisione e pazienza, ma permette di raggiungere risultati straordinariamente espressivi.

2. Contrasti audaci: Lo stile vintage gioca su forti contrasti tra nero e bianco, con ombre profonde e aree di luce drammatica. Questo approccio sottolinea i dettagli e dona un senso di tridimensionalità ai soggetti.

3. Dettagli ornamentali: Bordature elaborate, filigrane e motivi decorativi sono spesso usati per incorniciare il soggetto principale, richiamando il design delle locandine, delle copertine dei libri e delle stampe d'epoca.

   Per la lezione focalizzatevi su almeno uno di questi punti.

   
   

Storia e Artisti Iconici

Le radici dello stile vintage si intrecciano con le tecniche di incisione su legno e su metallo. Artisti come Gustave Doré, noto per le migliaia di illustrazioni dettagliate di classici come La Divina Commedia, La Bibbia, e moltissime altre opere famose hanno influenzato profondamente questo stile. Doré combinava tratteggio denso e composizioni drammatiche, creando immagini che sembrano vive.

Il Doré utilizzava principalmente la xilografia, una tecnica di incisione su legno che permetteva di riprodurre immagini dettagliate su larga scala. Pur non incidendo personalmente le matrici, affidava i suoi disegni a esperti incisori che traducevano il suo tratto magistrale in stampe dal forte impatto drammatico, ricche di chiaroscuro e profondità.

Un altro nome di rilievo è Aubrey Beardsley, che ha rivoluzionato l'illustrazione con i suoi disegni ricchi di ornamenti e un netto contrasto tra bianco e nero. I suoi lavori, spesso associati all'Art Nouveau, sono considerati un ponte tra il classico e il moderno.

Un altro grande che possiamo aggiungere a questo stile e' l’arte dell’inchiostrazione di Willy Pogany si distingue per l’eleganza fluida del tratto e la perfetta fusione tra linea e decorazione. Influenzato dall’Art Nouveau, il suo segno raffinato modella figure armoniose, ricche di dinamismo e grazia, enfatizzando il ritmo visivo della composizione.

Attraverso un sapiente equilibrio tra pieni e vuoti, Pogany crea illustrazioni dall’impatto teatrale, dove ogni linea sembra danzare sulla pagina, esaltando il senso narrativo dell’opera.

Sono moltissimi gli autori a cui ci si può ispirare per questo stile. Ecco altri nomi, non meno importanti, che vi invito a osservare per farvi un’idea chiara di come lo stesso stile possa essere interpretato in modi diversi, trasformando il tratto e la scelta dei soggetti in una vera e propria firma autoriale.

Giovanni Battista Piranesi, maestro dell’incisione, ha reso celebri le sue vedute architettoniche di Roma con un uso magistrale di luce e ombra. Le sue opere, ricche di dettagli e prospettive grandiose, evocano un senso di drammaticità e imponenza. Celebre per la serie Carceri d’Invenzione, in cui ombre profonde e strutture monumentali creano atmosfere surreali e misteriose.

John Martin, pittore e incisore britannico, famoso per le sue visioni apocalittiche e paesaggi drammatici. Le sue opere giocano con un uso estremo del chiaroscuro per creare scene grandiose e teatrali, spesso dominate da cieli tempestosi e architetture colossali. Il suo stile, altamente dettagliato e dinamico, ha ispirato generazioni di illustratori e artisti fantasy.

The Fall of Babylon

IMPORTANTE: Per comprendere davvero questo stile, è fondamentale copiare i maestri, anche quelli più complessi. Non si tratta di realizzare copie perfette, ma di un vero e proprio esercizio di investigazione: osservare come hanno reso certi effetti, quali soluzioni hanno adottato e perché. Copiare serve a capire, non a riprodurre semplicemente le loro opere, ma a scoprire i meccanismi nascosti dietro le loro scelte artistiche.

Come diceva sempre Gustave Doré: “L’arte non è di chi l’ha pensata per primo, ma di chi spinge l’idea più in là.”

Esempi e Ispirazioni

• Le copertine delle prime edizioni di romanzi ottocenteschi, come quelle di Charles Dickens, offrono un esempio perfetto di inchiostrazione vintage applicata al design.

• I manifesti pubblicitari di fine Ottocento, in particolare quelli di artisti come Alphonse Mucha, mostrano come questo stile fosse usato per comunicare lusso e raffinatezza.

Per approfondire, consiglio di esplorare libri come "The Art of Gustave Doré" di David Kunzle o "Aubrey Beardsley: Decadence and Desire" di Linda Gertner Zatlin. O semplicemente cercate su internet immagini di questi maestri perche' a volte un'immagine vale piu' si migliaia di parole.

Progetto Pratico: Copertine di Moby Dick e Martin Eden a scelta

Nella seconda parte della lezione, applicheremo le tecniche di inchiostrazione vintage per ricreare le copertine di due capolavori della letteratura: "Moby Dick" di Herman Melville e "Martin Eden" di Jack London. Eccovi in sintesi di cosa parlano questi due romanzi magnifici.

Moby Dick

Pubblicato nel 1851, Moby Dick è un romanzo epico della letteratura americana che intreccia avventura, filosofia e simbolismo in un racconto di ossessione e vendetta. La storia segue il capitano Achab, un uomo consumato dal desiderio di catturare la leggendaria balena bianca, Moby Dick, che in passato gli ha strappato una gamba. Il viaggio è narrato dal giovane Ishmael, marinaio in cerca di avventura, e si snoda attraverso le profondità dell’oceano, esplorando temi come il conflitto tra uomo e natura, il destino e la follia.

Dal punto di vista visivo, la copertina potrebbe enfatizzare il senso di vastità e minaccia del mare. Onde gigantesche, cieli tempestosi e la figura imponente della balena emergente dalle acque possono essere resi con inchiostrazioni dal forte contrasto, utilizzando tratti dinamici per trasmettere il movimento del mare in tempesta. Il Pequod, la nave di Achab, potrebbe apparire come un fragile guscio in balia dell’oceano, accentuando il senso di lotta impari tra l’uomo e le forze naturali. L’uso del tratteggio fitto e delle ombre nette può dare profondità alla scena, mentre dettagli come corde tese, volti segnati dal vento e schizzi d’acqua possono arricchire la composizione, evocando il senso di avventura e tragedia che permea il romanzo.

Di seguito voglio condividere con voi una serie di copertine caratterizzate da diversi stili. Per chi non ha ancora affrontato il tema della composizione, consiglio di leggere i due articoli dedicati, così da osservare queste copertine con maggiore consapevolezza.

Ovviamente non dovete imitare queste composizioni gli elementi dello stile sono questi ma sentitevi liberi di sperimentare non voglio mettervi limiti alla vostra creativita' come sempre le mie sono indicazioni di massima

Ecco le moltissime copertine di libri che si possono trovare facendo una semplice ricerca!

Ora, come applicare lo stile vintage alla vostra copertina? Una domanda più che opportuna. Scegliete uno o due elementi chiave della storia e combinateli in modo originale. Un buon metodo è ritagliare le silhouette dei disegni e sperimentare diverse composizioni. Fate numerosi bozzetti a matita, non siate parsimoniosi nel disegnare: spesso le idee emergono provando, magari dopo una ventina di minuti di sperimentazione.

Quando trovate una composizione che vi affascina, definitela con cura e passate all’inchiostrazione. Usate la nostra solita tratto pen da 0.7, oppure, se avete a disposizione una penna stilografica, potete tentare un approccio alla Doré. Insomma provate a trattare il vostro disegno in modi diversi, se avete una composizione che davvero vi piace, potete anche farne una fotocopia (del disegno a matita o del suo puro contorno) e inchiostrarlo di maniere diverse con patterns differenti. Prima, però, ripassate gli esercizi di tratteggio: allenatevi ancora una volta per una decina di minuti su un altro foglio, poi tornate al vostro lavoro con mano più sicura.

Provare per credere

Di seguito trovate tre copertine che desidero condividere con voi. Il mio approccio ha alcuni richiami allo stile vintage, ma per me è fondamentale mantenere una forte identità stilistica, pur traendo ispirazione da altri linguaggi visivi.

In questi esempi voglio mostrarvi diversi modi di interpretare una storia: attraverso una rappresentazione descrittiva, concettuale o complementare. Questo significa che non è necessario seguire alla lettera gli elementi della narrazione, ma si possono esplorare interpretazioni che la completano o persino la arricchiscono, andando oltre ciò che l’autore ha voluto raccontare.

Spero che queste immagini possano essere una fonte di ispirazione per le vostre creazioni!

Eh si Moby Dick puo' essere la metafora dell'artista spaventato del foglio bianco! Vediamola cosi'!

Martin Eden

Scritto nel 1909, Martin Eden è un romanzo di formazione semi-autobiografico di Jack London che esplora la crescita personale e il conflitto tra arte e materialismo. Racconta la storia di un giovane marinaio autodidatta con il sogno di diventare scrittore. Il protagonista, Martin, si innamora di Ruth, una donna dell'alta borghesia, e attraverso di lei entra in contatto con un mondo colto e raffinato. Spinto dall’ambizione di elevarsi socialmente attraverso la letteratura, Martin si dedica con fervore allo studio e alla scrittura, ma si scontra con il rifiuto del mondo editoriale e con la freddezza della società borghese che prima ammirava. Il romanzo affronta temi profondi come la lotta di classe, l’individualismo, il valore dell’arte e la disillusione esistenziale.

Per la copertina, l’inchiostrazione potrebbe giocare sul contrasto tra il mare e il mondo letterario. Un’idea potrebbe essere rappresentare Martin diviso tra due realtà: da un lato le onde scure e impetuose del mare, simbolo delle sue origini umili e della sua instabilità emotiva; dall’altro, pile di libri o una penna spezzata, a rappresentare la sua lotta per emergere. Il chiaroscuro e il tratteggio possono evidenziare la tensione psicologica del personaggio, magari con il volto di Martin segnato dall’ombra di un sogno irraggiungibile. Il cielo sopra di lui potrebbe essere diviso tra luce e oscurità, simboleggiando il percorso tormentato tra speranza e disperazione che caratterizza la sua storia.

Oggi, nell’editoria, l’uso della fotografia è sempre più diffuso, spesso perché cattura immediatamente l’attenzione del pubblico, talvolta più di un’illustrazione. Forse il realismo di un’immagine fotografica richiama l’estetica visiva a cui siamo ormai abituati, immersi com’è il nostro quotidiano in un flusso costante di immagini e video dai social media. O almeno, questa è una possibile chiave di lettura.

In questa mia personale interpretazione, cerco di bilanciare un immagine forte usando una delle regole di composizione. Sapete dirmi quale?

In questa lezione, vi guiderò passo dopo passo nella progettazione delle copertine, esplorando come trasferire i temi dei romanzi in immagini ricche di dettagli vintage, con un focus sull'equilibrio tra simbolismo e decorazione.

Vi consiglio caldamente di riguardare gli articoli sulla composizione e a breve pubblichero' un altro su come rendere luci e ombre col tratteggio.

L'importanza di non prendersi troppo seriamente

Ecco una meme per strapparvi un sorriso! Non temete, non è per scoraggiarvi—anzi! A volte ridere di noi stessi e delle nostre difficoltà è il modo migliore per sbloccarci. L'autoironia aiuta a sciogliere le insicurezze e a trasformare i limiti in slancio creativo.

Quindi, prendete il volo senza timidezza… e se cadete, almeno fatelo con stile! MdE